В средневековой Европе продолжал развиваться народный танец. Священные пляски входили в мистерии и другие формы католического культа. Например, накануне Рождества народ пел и танцевал в священных мистериях. Пляски исполнялись на пирах, рыцарских празднествах, при дворе королей. Постепенно они утрачивали религиозное содержание, и люди с увлечением танцевали их в быту под пение или аккомпанемент волынки.

В эпоху Возрождения распространились общественные танцы. К низким танцам относили вольту, гилярду - быстрые танцы, исполняемые под аккомпанемент тамбуринов и гобоев; к шутливым - бурре, фарандолу; к медленным светским - павану. При царствующих дворах появились профессионалы-хореографы. В XVII-XVIII вв. ни один бал в Европе не обходился без гавотов, менуэтов, полонезов.

В 1661 г. во Франции была создана Королевская академия танца. Тринадцать академиков экзаменовали преподавателей бальных танцев, выдавали дипломы, канонизировали движения и хореографические композиции, утверждали новые бальные танцы. В то время при дворах уже ставились первые балеты и складывалась система классической хореографии. Бесспорно, балет стал высшей формой хореографического искусства. Однако кроме балета в современной хореографии различают народный бытовой, художественно-профессиональный и эстрадный танецы.

Какова специфика балета как жанра хореографического искусства? Что важно воспринять в эстетике балетного искусства, чтобы балетный спектакль принес подлинную радость и очарование?

Балет - это синтетическое искусство, которое включает сценарий, музыку, хореографию, изобразительное искусство. Центральной точкой соприкосновения всех искусств является хореография. Танец соединяет все искусства в единое целое. Причем пластика балета строится на трех хореографических типах танца: пантомиме, действенном танце и дивертисменте. Позы пантомимы условны и символичны; она подабна жизненным движениям, ближе стоит к игре актера, чем к танцу. Действенный танец развивает сюжет балета, его драматизм. Он раскрывает черты героев, их внутреннее состояние. В нем сохраняются все особенности танца, но первичной является сюжет. Дивертисменты можно сравнить с большими праздничными вставными номерами в спектакле. Здесь вырисовываются среда, эпоха, идеи балетного спектакля. Обычно дивертисментные сцены исполняются в финале спектакля.

Главным выразительным средством балетного жанра служит классический танец. Иногда его называют танцем движущихся скульптур, а балерин сравнивают с ожившими статуэтками. В классическом танце узаконена строгая система хореографических форм. Здесь самые разнообразные движения человеческого тела, обладающие особой танцевальной прелестью и воздействием на зрителя. К обязательным условиям классического балетного танца принадлежит так называемый принцип  выворотности. Обязательным условием для женского танца является опора не на ступни, а на пальцы ног, или пуанты. При всем многообразии элементов (плие, батманы, пируэты, туры, элевации) принцип выворотности сообщает единство всему танцу. Он закладывает основание для стилевого принципа эстетического обобщения образа человека. Пластика танца, движения, кружения, прыжки, жесты красноречиво говорят о внутреннем человеческом мире. Прекрасные мгновения обаяния и нежности способен уловить наш глаз в балете. В целом хореография - великое искусство, способное передать в танцевальных образах великое содержание.

ТЕАТР И ДРАМАТУРГИЯ

Драматургия лежит в основе искусства театра. Действительность осваивается в театре через драматическое действие. Театр, так же как и другие зрелищные искусства, имеет синтетическую природу. Зрители попадают в плен одновременно многих искусств: литературы, живописи, музыки, хореографии, архитектуры. Над созданием спектаклей трудится огромное число людей: драматурги, актеры, режиссеры, художники, костюмеры, гримеры, светомонтажеры, рабочие сцены, суфлеры и т. д.

Подобно другим видам искусство театра уходит в глубокую древность. Элементы театра присутствовали в синкретичном искусстве, существовали в первобытных обрядах, плясках. В античном мире театр рассматривался как обязательная часть общественной жизни граждан, способствующая воспитанию их нравственности, добродетели. На спектаклях, которые продолжались порой весь световой день, в античном театре на широких скамьях располагались до нескольких десятков тысяч людей. В Средние века театр развивался как в народной, так и в официально-религиозной форме. Литургическая драма исполнялась как часть церковной службы в готических соборах Европы. В XIII-XIV вв. возникают самостоятельные церковные постановки - мистерии и миракли.

Народный театр развивался в творчестве бродячих актеров: жонглеров, трубадуров, шпильманов, а на Руси - скоморохов. В эпоху Возрождения появляются народные и светские формы театрального искусства: итальянская комедия масок, философский театр Шекспира, театр, воплощающий темы социальной жизни (Лопе де Вега). Классицизм XVII в. породил особую нормативно-рационалистическую эстетику во всех видах искусств, в том числе и в театре. Она основывалась на философии Декарта и эстетике Буало. В трагедиях Расина и Корнеля, комедиях Мольера зритель воспринимал пафосные назидания этических норм, образы идеальных героев, осмеивал общечеловеческие пороки. В XVIII в. с идеями просвещения театр благодаря новой эстетической драматургии Дидро и особенно Лессинга, обрел реалистические черты и стал ареной социальной борьбы буржуазии против феодализма. В XIX в. господствующим направлением в театральной эстетике стал критический реализм. Он сложился во многом благодаря драматургии Гоголя, Островского, Чехова, Ибсена, Шоу. Театр ярко воплощает проблемы и черты национального сознания. Он стремится постигнуть правду человеческого духа и характера. Решению этих задач способствовала система Станиславского. Новые формы сценического мышления разрабатывались Мейерхольдом, Вахтанговым, Таировым. Развитие сценических традиций в сочетании с новаторством постмодернистских форм продолжается и сегодня.

Наиболее существенные эстетические особенности театрального образа таятся в системе «драматург - актер - зритель».

Замысел драматического произведения предопределяет замысел спектакля. Литературно-драматическое произведение имеет самостоятельную художественную ценность. Его сценическая интерпретация является новым творчеством, обусловленным художественной ценностью литературы. Театральное искусство, как и фильм, который создается на основе литературного сценария, относится к области интерпретационных искусств. В одном из писем А.С. Суворину Чехов пишет о свободной интерпретации образа Иванова:

«Когда я писал пьесу, то имел в виду только то, что нужно, т. е. одни только типичные русские черты. Так, чрезмерная возбудимость, чувство вины, утомляемость - чисто русские... Понятно, что в пьесе я не употреблял таких терминов, как русский, возбудимость, утомляемость и др., в полной надежде, что его читатель и зритель будут внимательны и что для них не понадобится вывеска: «це не гарбуз, а слива».

И далее весьма самокритично великий Чехов продолжает:

«Я не сумел написать пьесу. Конечно, жаль. Иванов и Львов представляются моему воображению живыми людьми. Говорю Вам по совести, искренно, эти люди родились в моей голове не из морской пены, не из предвзятых идей, не из «умственности», не случайно. Они результат наблюдения и изучения жизни. Они стоят в моем мозгу, и я чувствую, что я не солгал ни на один сантиметр и не перемудрил ни на одну йоту»³.

В качестве основного интерпретатора литературы на сцене выступает актер. В драме писатель дает только слова действующих лиц, их монологи, диалоги. Актер, идя от слова, через действие должен сделать для зрителя очевидным то, что осталось за пределами текста драматического произведения. Отсюда искусство театра - исполнительское искусство. Создавая сценический образ, актер выступает как интерпретатор, исполнитель и творец.